La pintura "Retrato de Mercedes Llorach", de Ramón Casas, en la Sala XIV del Museo de Bellas Artes

     Por Amor al Arte, déjame ExplicArte Sevilla, déjame ExplicArte la pintura "Retrato de Mercedes Llorach", de Ramón Casas, en la sala XIV del Museo de Bellas Artes, de Sevilla.  
     Hoy, 4 de enero, es el aniversario del nacimiento (4 de enero de 1866) de Ramón Casas, pintor, autor de la obra reseñada, así que hoy es el mejor día para ExplicArte la pintura "Retrato de Mercedes Llorach", de Ramón Casas, en la sala XIV, del Museo de Bellas Artes, de Sevilla.
   El Museo de Bellas Artes, antiguo Convento de la Merced Calzada [nº 15 en el plano oficial del Ayuntamiento de Sevilla; y nº 59 en el plano oficial de la Junta de Andalucía], se encuentra en la Plaza del Museo, 9; en el Barrio del Museo, del Distrito Casco Antiguo.
     En la sala XIV del Museo de Bellas Artes podemos contemplar la pintura "Retrato de Mercedes Llorach", de Ramón Casas (1866-1932), siendo un óleo sobre lienzo, en estilo modernista, realizado en 1901, con unas medidas de 0'73 x 0'61 m., procedente del depósito del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en 2022.
     Retrato de juventud de la esposa del escultor sevillano Manuel Delgado Brackenbury, del que el museo posee obra, y madre de Belén Delgado Llorach, representada en la colección permanente gracias a un retrato de Alfonso Grosso y una escultura de su padre, y de Manuel Delgado Llorach, cuyo retrato por Santiago Martínez forma parte también de los fondos del museo desde 2018 gracias a la donación de María, Ignacio y Miguel de Oyarzábal. 

     La obra, alegre y luminosa, transmite naturalidad. Excepto por el oscuro cabello, el colorido de claros tonos pastel es el gran protagonista junto con el libre tratamiento de la pincelada. Muy elocuente en este sentido resulta el vestido blanco, realizado con múltiples tonos de ocres y rosas aplicados con amplios y expresivos toques cargados de materia. El rostro, sin embargo, se resuelve con pinceladas más apretadas para individualizar los rasgos de la retratada, que se presenta ante un fondo ligeramente modulado en el que un espejo con su sombra, la única que se aprecia en la composición, ayuda a crear el espacio circundante (web oficial del Museo de Bellas Artes de Sevilla).     

Conozcamos mejor la Biografía de Ramón Casas, autor de la obra reseñada; 

     Ramón Casas Carbó (Barcelona, 4 de enero de 1866 – 29 de febrero de 1932). Pintor.

     Ramón Casas era hijo de Ramón Casas Gatell, comerciante que había conseguido enriquecerse durante una permanencia de veintiséis años en la isla de Cuba, y de Elisa Carbó Ferrer, perteneciente a una acomodada familia barcelonesa propietaria de una fábrica textil en Sant Benet de Bages. Desde muy joven, Ramón Casas encontró todas las facilidades para poder aprender las técnicas pictóricas, actividad artística en la que se inició a través de interesantes retratos realizados a sus familiares.

     Después de una corta estancia en la Escuela Carreras, del barrio barcelonés de San Gervasio, los padres aceptaron que el joven artista abandonara los estudios para iniciar su carrera pictórica en el taller de Joan Vicens (1820-1886), célebre pintor y retratista que gozaba de un considerable prestigio. En octubre de 1881, la revista L’Avenç publicó por primera vez uno de sus dibujos que se titulaba Records d’altre temps y tenía como tema un rincón del claustro de Sant Benet.

     Ramón Casas no aceptaba seguir reglas establecidas que frenaran o limitaran la expresión de su genio, por lo que no es extraño que a finales de octubre de 1881 se dirigiera a París, dando comienzo así a una relación con la capital francesa que se prolongaría a lo largo de toda su vida. El joven pintor se inscribió en el taller de Carolus Duran, ferviente admirador de Velázquez, y ya en 1883 su predisposición personal, su curiosidad y su talento fueron reconocidos cuando el jurado del Salon des Champs-Élysées aceptó su Autorretrato.

     En octubre de 1883, Casas viajó a Granada, donde pasó unos meses acompañado por el pintor Laureà Barrau. En marzo de 1884, finalizada su estancia en Andalucía, regresó a París. A finales de noviembre se encuentra en Barcelona acompañado de uno de sus amigos franceses, el pintor Maurice Lobre. En enero de 1885 los dos amigos viajaron a Madrid, lo que supuso para ambos artistas la posibilidad de conocer directamente la pintura de Velázquez.

     Casas pasó una larga temporada en Barcelona. El año de la Exposición Universal de Barcelona, 1888, supuso un momento crucial para su evolución artística. En febrero de 1889, dos retratos presentados en la Sala Parés ponen de manifiesto la amistad que había entre Ramón Casas y Santiago Rusiñol: Casas pintó a Rusiñol y Rusiñol pintó a Casas. Poco más tarde, en junio, los dos artistas realizaron un viaje en carro por Cataluña.

     En 1890 se inauguró la Primera Exposición Rusiñol- Casas-Clarasó. En 1891, Casas se estableció junto a Rusiñol en un piso del barrio de Montmartre de París, lugar que se convirtió en escenario habitual de sus cuadros, principalmente el Moulin de la Galette. Sus obras se mostraron en diversos salones parisinos y en la Exposición Universal de Berlín.

     A finales de septiembre de 1891, acompañado por otro destacado pintor, Eliseu Meifrèn, Casas pasó unas semanas en Sitges con la intención de plasmar en sus cuadros la luz del lugar, cogiendo principalmente como escenario los patios típicos de las casas y paisajes a pleno sol. Las obras que pintó en Sitges y sus alrededores se presentaron en la Segunda Exposición Rusiñol-Casas-Clarasó, organizada en octubre de 1891 en la Sala Parés de Barcelona. Se trata de cuadros en los que la influencia de la Escuela Luminista se hace más que patente: Marina, Migdia a Sitges, En un patio, Camino del Vinyet y Camino antiguo de Vilanova.

     En agosto de 1892, con motivo de la Primera Exposición de Bellas Artes de Sitges, Casas presentó un conjunto de obras pintadas en la misma línea, donde la luz continuaba siendo el primer objetivo a captar.

     En esta exposición, que fue considerada como la Primera Fiesta Modernista, Casas aportó obras como: Patio del Vinyet I, Patio del Vinyet II, Camino del Vinyet, Efecto de sol, Estudio, Camino soleado, Un muro y Efecto de Gris.

     A partir de 1893, Ramón Casas continuó experimentando con diferentes temas y nuevas soluciones formales y compositivas. El 10 de febrero de 1893 se inauguró la Tercera Exposición Rusiñol-Casas-Clarasó.

     A principios de 1893 participó en los Salons des Beaux Arts de París y en la Exposición Universal de Chicago. Durante este año, Casas decidió instalarse definitivamente en Barcelona, sin dejar de viajar a París los meses que estaban abiertos los salones.

     Con su nueva situación personal, la temática de sus obras sufre un giro. Los paisajes y ambientes parisinos dejan paso a una temática distinta como son los bellos y sensuales desnudos de mujeres. Estas obras evolucionaron de un tipo de mujer joven e ingenua a unos cuerpos que denotaban el conocimiento, el deseo y la tentación. Para estas últimas se inspiró en las formas de Rodin.

     Ramón Casas, como cualquier otro ciudadano catalán, vivía inmerso en los problemas sociopolíticos que conmovían la tranquilidad de aquella época. Por todo ello no es de extrañar que Casas pintara la ejecución de una sentencia de muerte, Garrote vil (1894), Embarque de tropas a Cuba (1896) o Salida de la procesión de Santa María del Mar (1898), obras que consolidaban su prestigio como pintor de temas de historia contemporánea.

     Durante aquellos años, Casas intensificó su interés por las “chulas”. En la exposición que organizó el Círculo Artístico en marzo en la Sala Parés, presentó obras de esta temática. En 1896 mostró en la Sala Parés dos retratos de figuras femeninas vestidas con mantón de Manila y un pañuelo en la cabeza. Además, en el Salon du Champ de Mars de París presentó A los toros (1896), con una elegante “chula” que consiguió llamar la atención de los aficionados.

     El 12 de junio de 1897 se inauguró, en la calle de Montsió de Barcelona, el local llamado Els Quatre Gats. La idea surgió de Miquel Utrillo, que viendo a Pere Romeu sin trabajo, pensó que éste poseía las condiciones necesarias para llevar a cabo la misma función que desarrollaba Rodolphe Salis en Le Chat Noir de París. La ayuda económica para el proyecto procedió del banquero Manuel Girona, del comerciante Martínez Ardéniz y del propio Casas. Els Quatre Gats se convirtió en un centro cultural donde se organizaban exposiciones y veladas literarias, encuentros artístico-musicales y espectáculos de sombras chinas y marionetas. Para anunciar los actos y dar a conocer la cervecería se utilizaron carteles dibujados por Casas. A estos carteles seguirían los destinados a promocionar el Anís del Mono o el cava Codorniu, obras con las que Casas consiguió un lugar preeminente y consolidado en el campo de los carteles.

     En 1899 salió la revista Pèl i Ploma, en la que Casas publicó dibujos y óleos con la voluntad por parte de Utrillo y Casas de ampliar y enriquecer el panorama artístico barcelonés. La última publicación patrocinada por Casas fue la revista Forma, que apareció a finales de febrero de 1904 y que dejó de editarse en diciembre de 1907.

     A los treinta y tres años, Ramón Casas sintió la necesidad de plantearse una obra que demostrara su capacidad para enfrentarse a problemas pictóricos de difícil solución. Por esta razón decidió pintar una composición de gran formato: La carga (1899). La obra se expuso por primera vez en el Salon des Beaux Arts de 1903, con el título de Barcelona 1902, haciendo referencia así a las insurrecciones y conflictos sociales que se produjeron aquel año en la ciudad.

     A principios de marzo de 1900, Casas volvió a pasar una larga temporada en París, donde permaneció hasta finales de octubre del mismo año. El ambiente parisino le motivó, e hizo que plasmara su esencia en las páginas de Pèl i Ploma. El mes de octubre, el pintor realizó un viaje a Londres acompañado por Miquel Utrillo.

     En este período no se sintió atraído por el ambiente bohemio; el motivo central de sus composiciones fueron las figuras femeninas modernas, jóvenes y elegantes, que lo llevaron poco después a decorar el salón de los fumadores del Círculo del Liceo, magnífico conjunto pictórico finalizado en junio de 1902.

     En enero de 1904, Casas pasó una larga temporada en Madrid, período que aprovechó para copiar cuadros del Museo del Prado. Durante aquel tiempo pintó el retrato de Alfonso XIII, así como realizó una serie de retratos al carbón de destacados personajes de la sociedad y cultura españolas, como Benito Pérez Galdós, Àngel Guimerà, Enric Morera, Chicharro, Muñoz Derain. Aquel año consiguió la primera medalla en la Exposición Nacional de Madrid de 1904, con La carga.

     Es en 1905 cuando Casas empieza a pintar una nueva serie de figuras femeninas envueltas en mantones de Manila o cubiertas por “toreras”. En comparación con las “chulas” de 1896-1898, estas mujeres ofrecen un aspecto más artificial y pintoresco, debido a los elementos añadidos por el pintor (sombreros, mantones, lazos o joyas). Durante aquel año, Casas presentó el retrato de Alfonso XIII en el Salon des Beaux Arts de París y en la exposición organizada en el patio del Ministerio de Madrid, junto a sesenta retratos de la sociedad madrileña.

     A la edad de cuarenta años, Casas conoció a Julia Peraire Ricarte, de dieciocho años, y sin preocuparle en absoluto la oposición de su familia, la convirtió en su modelo, en su compañera y, en 1922, en su esposa.

     Ya desde el inicio de la relación Julia se convirtió en la figura principal de la mayoría de sus carteles y retratos.

     Casas encontró, en la belleza y la frescura de su compañera, el gran aliciente de sus obras, llegando a realizar bellos retratos de mujer, llenos de fuerza y sensualidad. Fruto de la inspiración que la modelo le sugería son obras como La Sargantain (1907) o Retrato de Julia (1908).

     En 1908, Ramón Casas realizó otro retrato de Alfonso XIII, pero esta vez lo presentó como gran maestro del Toisón de Oro. Ofreció a la Junta de Museos su colección de retratos de personalidades catalanas.

     A finales de octubre, Casas viajó a los Estados Unidos invitado por el millonario americano Charles Deering, al que había conocido en 1903. Aquella estancia se alargará seis meses que le valieron para visitar Nueva York, Washington, Pasadena, Los Ángeles, Miami y Cuba. El 20 de abril de 1909, Casas regresó a Europa; primero pasó unos días en París y después volvió a Barcelona.

     Pocos meses después de su regreso a la Ciudad Condal, Casas recibió la visita de Charles Deering quien, con la idea de visitar diversas poblaciones catalanas, viajó en coche desde París. Una de sus primeras visitas fue Sitges. Deering quedó tan enamorado de la población que decidió construirse una residencia para poder pasar allí algunas temporadas de descanso.

     Con esta finalidad, y seguramente influenciado por el Cau Ferrat de Rusiñol, el industrial americano decidió comprar varias casas de pescadores y el antiguo hospital de San Juan para transformarlos en su residencia, conjunto arquitectónico que se conoce con el nombre de Maricel.

     Entre 1910 y 1914, acompañado por su amigo Deering, Ramón Casas realizó diversas estancias por ciudades europeas. A finales de octubre de 1910 visitaron París. En julio de 1911 se encuentran en Holanda, donde se interesaron por la obra de Frans Hals, y en septiembre del mismo año viajaron a Italia. En verano de 1912, Casas viajó a Madrid junto con un grupo de amigos, entre los que se encontraba Deering, con la intención de comprar muebles para el Maricel.

     En 1914, tras una estancia de Deering en América, los amigos se reencontraron en Biarritz, desde donde emprenderían un viaje a Sevilla y a Madrid.

     A finales de 1910, Casas inició una segunda versión de su obra La carga, pieza destinada a la colección privada de Deering y para la que el artista elige la plaza de Vic como escenario de la acción.

     Sin dejar de retratar a Julia, el pintor escogió una nueva modelo, una joven morena de grandes ojos oscuros, prototipo de la mujer española, conocida como Carmencita. Las obras que esta modelo inspiró, Verano (1912), Mujer con mantón y sombrero cordobés (1912-1914) y Carmencita (1914), entre otras, muestran las preferencias artísticas de aquellos. Casas juega con los recursos de los flecos, los abanicos y los mantones; escoge armonías que consideraba seguras, por haberlas cultivado en años anteriores, y unas gamas cromáticas inspiradas en los trajes de los toreros.

     El día 10 de noviembre de 1912 murió Elisa Carbó, madre de Ramón Casas, que le dejó de herencia el monasterio de Sant Benet de Bages. Un año más tarde inició los trabajos de restauración de aquel interesante conjunto arquitectónico, lugar lleno de encanto cuyo claustro e interiores se convertirán, a partir de aquel momento, en escenarios habituales para la obra de Casas. En la Exposición Conmemorativa del 25 Aniversario de la primera exposición conjunta Rusiñol-Casas-Clarasó, en 1915, se presentaron obras realizadas aquellos años.

     Otra noticia interesante se produce en el mes de marzo de 1917, cuando un gran número de artistas catalanes solicitaron al Ayuntamiento de Barcelona la organización de una exposición de creadores franceses.

     El día de la clausura de la muestra, y en señal de reconocimiento por parte de Francia, Casas fue nombrado miembro de la Legión de Honor francesa.

     Otro de los lugares que mereció la atención pictórica de Casas fue el castillo de Tamarit, que había sido adquirido por Deering. Casas fue el encargado de convertirlo en una residencia habitable. De su estancia en Tamarit surgen un buen número de paisajes que serán presentados en diversas exposiciones.

     Durante aquellos años, y hasta el final de su vida, tanto la producción de retratos como su participación en certámenes y exposiciones resultaron ser muy fructíferas.

     En 1921, Rusiñol, Casas y Clarasó volvieron a exponer juntos y decidieron que lo harían cada año.

     Y así fue, hasta que aquella tradición terminó con la muerte de Rusiñol en 1931.

     Demostrando una vez más su amistad con Charles Deering, en 1923 Casas viajó a Miami para visitar a su amigo, que estaba enfermo y muy cansado. Repitió aquella visita un año más tarde, esta vez acompañado por su mujer. El viaje duró dos meses, de marzo a mayo, y la pareja viajó a Miami, Boston y Chicago.

     Al igual que ya había hecho muchos años antes en sus viajes de juventud, Ramón Casas aprovechó la estancia en tierras americanas para realizar retratos de amigos de Deering, el cual moriría en 1927.

     El 14 de junio de 1930 se inauguró, en el salón de la Reina Regente del Palacio de Bellas Artes, una exposición- homenaje a Ramón Casas, organizada por el Real Círculo Artístico. En aquella muestra se pudo ver una importante selección de obras en las que se representaban las distintas etapas de la producción del artista, incluidos diversos retratos al carbón. Ramón Casas ya estaba enfermo. Su salud no mejoró, y a las ocho de la tarde del 29 de febrero de 1932, llegó a su fin la vida del gran pintor. Ramón Casas Carbó moría en Barcelona, ciudad en la que sería enterrado a las once de la mañana del día 2 de marzo. Con la muerte de Casas desaparecía un artista plenamente reconocido y admirado que contribuyó a dar una categoría universal a la pintura española (Isabel Coll Mirabent, en Biografías de la Real Academia de la Historia).

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La pintura "Interior holandés", de Echagüe, en la sala XIV del Museo de Bellas Artes

     Por Amor al Arte, déjame ExplicArte Sevilla, déjame ExplicArte la pintura "Interior holandés", de Antonio Ortiz Echagüe, en la sala XIV del Museo de Bellas Artes, de Sevilla.  

     Hoy, 8 de enero, es el aniversario del fallecimiento (8 de enero de 1942) de Antonio Ortiz Echagüe, pintor, una de cuyas obras se encuentra en el Museo de Bellas Artes, así que hoy es el mejor día para ExplicArte la pintura "Interior holandés", de Echagüe, en la sala XIV, del Museo de Bellas Artes, de Sevilla.

   El Museo de Bellas Artes, antiguo Convento de la Merced Calzada [nº 15 en el plano oficial del Ayuntamiento de Sevilla; y nº 59 en el plano oficial de la Junta de Andalucía], se encuentra en la Plaza del Museo, 9; en el Barrio del Museo, del Distrito Casco Antiguo.

   En la sala XIV del Museo de Bellas Artes podemos contemplar la pintura "Interior holandés", de Echagüe (1883-1942), siendo un óleo sobre lienzo, realizado en 1912, con unas medidas de 1'75 x 1'50 m., procedente del depósito del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en 1973.

   En un interior típicamente holandés un anciano fuma ceremoniosamente su pipa sentado de tres cuartos en una silla de mimbre desde la que mira al espectador. Detrás del personaje aparecen el característico armario-alacena y la cama empotrada protegida por unas cortinas de las típicas casas holandesas. El rostro del modelo es de un realismo extraordinario. La composición sigue el esquema que Ortiz Echagüe utiliza para este tipo de retrato individual desplazando ligeramente el motivo principal hacia un lado, la derecha en este caso, equilibrándolo con el armario y colocando la figura de tres cuartos para dar sensación de profundidad y dinamismo (web oficial del Museo de Bellas Artes de Sevilla).

     La pintura hispana del siglo XX en su primera mitad tiene una digna representación en el Museo e incluso se cuenta con alguna pieza de excepcional calidad. A Antonio Ortiz de Echagüe pertenece un Interior holandés del que realizó varias versiones teniendo como modelo a Jacobo van Amstel que es el que aparece retratado en la pintura (Enrique Valdivieso González, Pintura, en Museo de Bellas Artes de Sevilla, Tomo II. Ed. Gever, Sevilla, 1991). 

Conozcamos mejor al autor de esta obra, Antonio Ortiz de Echagüe; 

     Antonio Ortiz Echagüe, (Guadalajara, 15 de octubre de 1883 – Buenos Aires, Argentina, 8 de enero de 1942). Pintor.

     Fue el tercero de siete hermanos (Mariano, Joaquín, Antonio, José, Encarna, Carmen y Fernando). Militar su padre, imprimió en el hijo un alto concepto de la responsabilidad y provocó la necesidad de varios desplazamientos familiares. En 1889, se trasladaron a Logroño y allí tuvo lugar la primera escolarización y bachillerato de Antonio Ortiz Echagüe. Los veraneos familiares en Narvaja (Álava) supusieron el inicio de su profesión. En esta etapa, conoció en Vitoria, adonde acudía con frecuencia a la casa solariega de sus abuelos maternos, al pintor Ignacio Díaz Olano, por quien pronto sintió Antonio una especial veneración.

     En 1891, está fechada una pintura de Díaz Olano, en Vitoria: es el primer retrato de Antonio, junto a otros dos bustos correspondientes a personas no identificadas.

     El retrato de Antonio Ortiz Echagüe, quien aparece tocado por un fez tunecino, parece una premonición de los años que ya en la madurez pasará en Marruecos. Este cuadro fue regalado por Díaz Olano a su joven admirador, quien lo conservó hasta sus últimos días. Compatibilizó los estudios propios para su edad y las clases de Dibujo en la Escuela de Artes y Oficios, junto a muchas horas en el Cuarto de Banderas del Regimiento de Ingenieros de su padre. Allí, de la mano del capitán Padilla, improvisado maestro de Pintura, trabajó la acuarela y el óleo. En las inconclusas memorias por él escritas, deja constancia de este eslabón de su vida: “En estas sesiones vi por primera vez tubos de colores y me emocioné viendo salir un bermellón por su boca que no olvidaré, y que me causó más emoción que muchos cuadros de museos después”. Con una cierta oposición paterna, que soñó con la carrera de las Armas para su hijo, Ortiz Echagüe prosiguió una seria preparación. Un hermano de su madre, Francisco Echagüe Santoyo, capitán de Ingenieros, había sido nombrado agregado militar en la Embajada de España en París, y propuso que le acompañase su sobrino, para allí seguir estudios de Dibujo y Pintura. Ante un posible año perdido, el padre marcó como condición que Antonio aprobase en un curso escolar los dos años que le quedaban del bachillerato. Asumió la empresa Antonio, y logró el objetivo. En octubre de 1897 marchó a París.

     No sin grandes esfuerzos, por su temprana edad, ingresó en la acreditada Academia Julien, dirigida por Juan Pablo Laurent y Benjamín Constant, destacados pintores, el primero especializado en pintura histórica y el segundo en retratos. Disfrutó Antonio del Salón de 1898, recreándose en cada detalle. Tras el paréntesis del verano en España, retornó nuevamente a París, y se abrieron para él nuevos horizontes y metas más comprometidas. Acudió a la Academia Julien por las tardes, y por las mañanas a la Academia de Bellas Artes Francesa, donde tras superar duras pruebas de selección había conseguido plaza. Al tercer año de su estancia en París, concurrió a un concurso para ilustrar una Historia Universal; el segundo y el sexto premio fueron para las dos obras presentadas (casi improvisadas) por Antonio: Procesión de Torquemada durante la Inquisición en España y Rogativa del Obispo de Calahorra durante la guerra carlista. En Journal des Artistes, en junio de 1900, se destacó su trabajo.

     En enero de 1901, abriendo nuevos horizontes, marchó a Roma. Estudió en el Círculo Artístico de Roma y en la Academia Española. Presentó en la Esposizione Nacionale delle Belli Arti, en 1901, La misa de Narvaja, cuadro preparado en aquella localidad alavesa, que había llevado consigo a Roma, y que tuvo muy buena crítica. El nombramiento de Mariano Benlliure como director de la Academia Española en Roma, en sustitución de José Villegas, que marchó a Madrid como director del Museo del Prado, permitió a Antonio continuar en la Academia, aun no teniendo la consideración de becario. En esta etapa, trabajó con frecuencia en el estudio de Sotomayor. En marzo de 1902, presentó a la promotrice cuatro trabajos: La madrecita, En Subiaco, Un comerciante ambulante y Un estudio. La madrecita fue adquirida por un coleccionista de la ciudad de Palermo y fue la primera pintura vendida por Ortiz Echagüe.

     En 1903, regresó a Madrid para presentarse a la Exposición que, organizada por el Círculo de Bellas Artes, se celebró en el Palacio de Cristal del Retiro. Allí concurrió con cuatro obras: Retrato de la niña C., La cena del chico, El hijo del labrador y Desnudo entre dos luces. Fue la primera vez que su nombre aparecía en un catálogo de una Exposición Nacional. Obtuvo un premio en metálico y vendió Desnudo entre dos luces.

     Ambos importes fueron suficientes para sufragar su estancia de cerca de dos meses en Madrid. El resultado de la exposición fue de éxito pleno; allí fue presentado a la Familia Real. María Cristina, Reina regente, acompañada de quien más tarde fue Alfonso XIII y de sus dos hijas, al saber que se trataba de un sobrino del comandante Echagüe, entonces vinculado a Palacio, se detuvo ante la obra de Antonio, y se interesó por ella. En el Heraldo de Madrid, su crítico de arte Alejandro Saint Aubin publicó el 2 de mayo: “Es una revelación el señor Echagüe y el rapport de tonos que descubre en el Retrato de la niña C., como el brío demostrado en Desnudo entre dos luces sacan al palenque un artista nuevo que puede aspirar a gloriosísima carrera. Aficionado a vencer dificultades técnicas y problemas de luz, presenta en sus trabajos asombrosos contrastes de luz artificial y la espléndida luminaria de la del día”. Ortiz Echagüe sacó provecho de esta estancia en Madrid; descubrió el Museo del Prado y estableció contactos con grandes pintores. En el estudio de Sorolla pasó varias tardes de agradable y fructífera charla. Se hizo socio del Círculo de Bellas Artes y en enero de 1904 se presentó a las oposiciones para cubrir vacante de becario en la Academia de Bellas Artes de Roma. Más de dos meses se prolongaron las pruebas. De veinte opositores en la primera prueba, doce llegaron a la última. El 11 de junio, el fallo del jurado concedía por unanimidad la plaza número uno a Ortiz Echagüe. Por delante aparecían cuatro años de estudios en Roma. En diciembre ya estaba instalado en la Academia. Como trabajo del primer año, envió a Madrid su lienzo Lady Godiva, que en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid, en 1906, obtuvo una tercera medalla. En el Museo de San Telmo (San Sebastián) se conserva El beso de la madre, una de las obras de Ortiz Echagüe en este su primer año de becario; pintura de la que se dijo que era “un alarde de audacia colorista y de dificultades superadas”. Entre 1907 y 1908 recorrió la Cerdeña rural, pintando principalmente a sus mujeres y a sus costumbres. Como trabajo final de su pensionado presentó La fiesta de la Cofradía de Atzara (lienzo de 4, 2 por 2, 52 metros). En febrero de 1909, se celebró la exposición anual de los pensionados en Roma; presidiendo la sala el cuadro de Ortiz Echagüe que obtuvo la segunda medalla en la Exposición Internacional de Múnich (1909), fue condecorado en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid (1912), y medalla de plata en el Salón de Artistas Franceses (1921). En la actualidad, este cuadro pertenece a la colección del Museo de San Telmo (San Sebastián).

     Pintar un retrato de Elisabeth Smidt, hija del financiero holandés Fritz Smidt iba a ser decisivo en la vida de Ortiz Echagüe. Conoció accidentalmente a Smidt en Roma. Pasadas unas semanas, la familia Smidt, ya en Holanda, le sugirieron que se desplazase allí para pintar varios retratos, pues había causado sensación el de Elisabeth. En el Rijksmuseum de Ámsterdan descubrió a Rembrandt. En 1910 envió a la Exposición Nacional de Bellas Artes de Madrid un cuadro ambientado en Holanda: La señora Jansen y sus amigas, que fue distinguido con una segunda medalla. El ambiente campesino y pesquero de aquellas tierras representó una continuada lección en el pintor.

     En 1912 fue llamado por la Casa Real Española, y recibió el encargo de pintar un retrato de Alfonso XIII, retrato que el Monarca regaló al Regimiento Ruso de Lanceros de Oviolpol, del que era coronel honorario. En 1913, marchó a Buenos Aires acompañando a la familia Smidt. Antes de regresar a Holanda, participó, junto con Zuloaga, Sorolla y Anglada-Camarasa, en la Exposición de Arte Español Contemporáneo. Al estallar la Gran Guerra marchó a San Sebastián, a la casa paterna. En 1916 viajó a Nueva York, invitado a exponer obras suyas por la Hispanic Society. Antes del regreso a Europa, hizo escala en Buenos Aires, y expuso en el Hotel Plaza.

     En enero de 1919, contrajo matrimonio con Elisabeth Smidt. A partir de este momento, aún fue más nómada la vida de Ortiz Echagüe, en la continua busca de nuevos ambientes para su trabajo: Argentina, Cádiz, Sevilla, Granada, Madrid, La Haya, París.

     En Granada nació su hija Carmen, y en Madrid, Federico. Entre 1923 y 1926 se produjo una nueva estancia en Buenos Aires. De esta época es Mi mujer y mi hija a caballo, en el Museo Español de Arte Contemporáneo, y Mi mujer y mi hija en la estancia, en el Museo de San Telmo (San Sebastián). Son también de este momento los dos galardones más importantes de su carrera: la medalla de oro del Salón de París de 1923 (con Jacobo van Amstel en mi casa, hoy en el Museo Reina Sofía) y la primera medalla en la Exposición de Bellas Artes de Madrid de 1924. De regreso a la capital, residió en la “Quinta de la Fuente del Berro”, adquirida por su suegra. Las viejas caballerizas se convirtieron en su estudio, que fue varias veces visitado por los Reyes y por Primo de Rivera, y también por Juan Ramón Jiménez, Pérez de Ayala y Ortega y Gasset. A los pocos meses de establecerse en Madrid fue nombrado presidente de la Asociación de Escultores y Pintores, y agregado honorario en La Haya.

     En 1928 dispuso de una sala exclusiva en el Pabellón Español en la XVI Muestra Internacional de Venecia, máxima distinción para un artista.

     Algeciras, Ceuta, Tetuán, Tánger, Rabat fueron los nuevos destinos del pintor. La producción pictórica en Marruecos fue ingente. Regresó a Madrid en 1932, y ante una sociedad que le resultaba incomoda, decidió la familia trasladarse definitivamente a Buenos Aires. Allí se sucedieron exposiciones individuales y colectivas, y nuevos retratos. En 1940, fue nombrado académico correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

     El 8 de enero de 1942, en el Hospital Español de Buenos Aires falleció; pero antes, a su esposa le había encomendado: “No quiero ninguna tumba de esas complicadas; nada más que una lápida de piedra que diga: Español y pintor”. Veintidós exposiciones individuales y cuarenta y siete colectivas, y varios centenares de cuadros, avalan la obra pictórica de Antonio Ortiz Echagüe (Luis Miguel Aparisi Laporta, en Biografías de la Real Academia de la Historia).

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   El Museo de Bellas Artes, antiguo Convento de la Merced Calzada [nº 15 en el plano oficial del Ayuntamiento de Sevilla; y nº 59 en el plano oficial de la Junta de Andalucía], se encuentra en la Plaza del Museo, 9; en el Barrio del Museo, del Distrito Casco Antiguo.

   En la sala XIV del Museo de Bellas Artes podemos contemplar la pintura "Gitanos del Sacromonte", de Rodríguez Acosta (1878-1941), siendo un óleo sobre lienzo, realizado en 1908, con unas medidas de 1'82 x 1'91 m., procedente del depósito del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en 1973 (web oficial del Museo de Bellas Artes de Sevilla).

     Un Interior con gitanas en el Sacromonte es obra destacada del granadino José Mª Rodríguez Acosta (1878-1941), obra con la que obtuvo primera medalla en la Exposición Nacional de 1908 (Enrique Valdivieso González, Pintura, en Museo de Bellas Artes de Sevilla, Tomo II. Ed. Gever, Sevilla, 1991).

Conozcamos mejor la Biografía de José María Rodríguez Acosta, autor de la obra reseñada; 

     José María Rodríguez-Acosta González de la Cámara, (Granada, 24 de febrero de 1878 – 19 de marzo de 1941). Pintor y banquero.

     Segundo hijo de Manuel Rodríguez-Acosta de Palacios y de María Angustias de la Cámara, nació en Granada el 24 de febrero de 1878. Estudió en Granada en el colegio de San Miguel, regido por José Ruano, en el de la Purísima Concepción, que dirigía Alejandro Ávila (1889-1892) y en la Academia Cívico Militar de Granada, donde debió de cursar los estudios de bachillerato entre 1892 y 1895. Pronto inició sus estudios de pintura con el maestro José Larrocha y con la asistencia a la clase de dibujo de la Escuela de Artes y Oficios de Granada. Cursó dos años la carrera de Ciencias en la Universidad de Granada antes de dedicarse por completo a la pintura, tras recibir también el magisterio de Emilio Sala en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando y abrir un estudio de pintura en Madrid en 1901. En esta actividad cosechó importantes premios nacionales y extranjeros y logró situarse entre los más prestigiosos artistas de su época.

     Entre sus obras —en las que unos han pretendido ver la presencia degenerativa de la pintura, el egotismo, la experimentación o el culturalismo y otros la más pura herencia de la tradición cultural puramente localista, ajena a cualquier coincidencia con la experiencia figurativa europea— destacan cuadros, algunos de ellos de dimensiones colosales, como Patio de los Arrayanes, Tentación de la Montaña, Abril, En el Santuario, Con el Santo y la limosna, El Convento de la Concepción o el último de sus desnudos, La noche, pintado poco antes de su fallecimiento.

     Formalmente compartió la pintura con la cogestión del negocio bancario familiar, que ejerció con sus hermanos Manuel y Miguel. Todos ellos eran los herederos de una familia de banqueros, de antecedentes portugueses y asturianos que, establecida en Granada en el siglo XVIII, aparecen desde el segundo tercio del XIX vinculados a una buena parte de la actividad económica desarrollada en Granada; preferentemente a la actividad bancaria, pero no en exclusiva, ya que, desde el sector financiero, la familia participó en negocios relacionados con la industria, la minería, la agricultura y la construcción. Aunque la gerencia real de la Banca la llevó su hermano Miguel y la representación externa el hermano mayor, Manuel, la decisión de operar colectivamente obligaba a una presencia prácticamente diaria de José María en el despacho bancario, que tenía que compartir con sus labores en el estudio de pintura.

     Ello no fue obstáculo para que, desde que cumplió los veinte años, se escapara constantemente para realizar viajes a Paris, Suiza, Italia, Alemania, Inglaterra, Estados Unidos, Canadá, Rusia, Egipto, Extremo Oriente... hasta que, al comenzar la Primera Guerra Mundial, se recluyó en Granada, donde inició la construcción de su carmen-estudio en la colina del Mauror, cerca de la Alhambra, al que consagró casi todo su esfuerzo creativo durante varios años, abandonando casi por completo la pintura hasta la conclusión del mismo en 1928. En él trabajaron algunos de los arquitectos más célebres del momento, como Anasagasti, Cendoya y Jiménez Lacal, constituyendo una de las obras más singulares de la arquitectura de los años veinte. En 1934 creó en su testamento la Fundación Rodríguez-Acosta, con sede en su carmen-estudio de Granada, una institución que sigue viva y plenamente activa en el panorama cultural español.

     Al estallar la Guerra Civil se hallaba en Estoril, desde donde regresó a Granada, donde permaneció durante toda la contienda y los dos años siguientes pintando pausadamente naturalezas muertas y algunos desnudos, con una nueva concepción plástica y sentido simbólico. Tras una bronconeumonía a la que sólo pudo resistir tres días, falleció en su casa de la Gran Vía de Granada el 19 de marzo de 1941, cuando tenía sesenta y tres años de edad (Manuel Titos Martínez, en Biografías de la Real Academia de la Historia).

Conozcamos mejor la Conmemoración del Día Internacional del Pueblo Gitano;

     El Día Internacional del Pueblo Gitano se conmemora el 8 de abril. Esta fecha recuerda el Primer Congreso Mundial romaní/gitano celebrado en Londres el 8 de abril de 1971 en el que se instituyó la bandera y el himno gitano.

     La bandera es verde y azul, simbolizando el cielo y el campo, con una rueda de carro roja en el centro, que simboliza el camino desde la India y la libertad. El himno gitano, Gelem, gelem (Anduve, anduve), fue compuesto por Jarko Jovanovic y recuerda a los gitanos y gitanas víctimas del nazismo.

     En el 4º Congreso Internacional Gitano en Serok, Polonia se designó el 8 de abril como Día Internacional del Pueblo Gitano en recuerdo de aquel Congreso de Londres.

     Desde hace unos años la fecha del 8 de abril está adquiriendo gran notoriedad, sirviendo de ocasión para distintas celebraciones y comunicaciones por parte de múltiples instituciones nacionales e internacionales.

     La Ceremonia del Río es una de estas celebraciones que se realiza en muchas localidades. En ella las mujeres arrojan pétalos de flores en los ríos y los hombres encienden velas en recuerdo de los antepasados (Fundación Secretariado Gitano).

     Si quieres, por Amor al Arte, déjame ExplicArte Sevilla, déjame ExplicArte la pintura "Gitanos del Sacromonte", de Rodríguez Acosta, en la sala XIV (actualmente en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía) del Museo de Bellas Artes, de Sevilla. Sólo tienes que contactar con nosotros en Contacto, y a disfrutar de la ciudad.

Más sobre el Museo de Bellas Artes, en ExplicArte Sevilla.

Los principales monumentos (Baluarte de la Candelaria; antiguo Gobierno Militar, Centro Cultural Reina Sofía; Casa de las Viudas; Gran Teatro Falla; Oratorio San Felipe Neri; y Museo de las Cortes de Cádiz) de la localidad de Cádiz (VIII), en la provincia de Cádiz

     Por Amor al Arte, déjame ExplicArte la provincia de Cádiz, déjame ExplicArte los principales monumentos (Baluarte de la Candelaria; antiguo Gobierno Militar, Centro Cultural Reina Sofía; Casa de las Viudas; Gran Teatro Falla; Oratorio San Felipe Neri; y Museo de las Cortes de Cádiz) de la localidad de Cádiz (VIII), en la provincia de Cádiz.

Baluarte de la Candelaria

      Sobre un ángulo saliente del terreno se construyó en 1672 este baluarte, cuya estratégica situación, entre el de San Felipe y las fortificaciones próximas a la Caleta, suponía una gran mejora para la protección del frente de poniente. Es la empresa defensiva más ambiciosa realizada en el Cádiz de la segunda mitad del siglo XVII y el mejor ejem­plo de su género conservado en la ciudad. Sobre el talud de los muros exteriores se disponen una sucesión de casamatas, delimitando el recinto dos pabellones del siglo XIX. En el patio, aislado como medida preventiva habitual, se conserva el polvorín, conformado por una gruesa bóveda reforzada por contrafuertes. A finales del siglo XX se realizaron obras de rehabilitación, para adaptar este edificio a usos culturales, fruto de las cuales es la incorporación de algunos elementos arquitectónicos contemporáneos (Juan Alonso de la Sierra, Lorenzo Alonso de la Serra, Ana Aranda Bernal, Ana Gómez Díaz-Franzón, Fernando Pérez Mulet, y Fernando Quiles García. Guía artística de Cádiz y su provincia. Tomo I. Diputación Provincial y Fundación José Manuel Lara. Sevilla, 2005).

     El baluarte de la Candelaria se sitúa en el extremo norte de la ciudad de Cádiz, en un lugar estratégico para el control del acceso a la bahía. El baluarte tiene planta irregular aunque aproximadamente triangular, con el lado sur abierto hacia la ciudad, y los lados nordeste y noroeste ofreciendo fachada hacia el mar.

     Consta de una edificación de una sola altura y una crujía de anchura, con estructura abovedada y gruesos muros de piedra, construye los dos lados que miran al mar. En la base del triángulo, dos edificaciones de carácter civil y de mayor altura conforman la fachada del baluarte hacia la ciudad. Las edificaciones delimitan un espacio abierto cuya transformación constituye la razón de ser de la reforma realizada en los años 90 para la adecuación del conjunto como Museo del Mar de la ciudad de Cádiz (sin embargo, el museo nunca llegó a inaugurarse, por lo que el edificio se abre sólo ocasionalmente para acoger exposiciones temporales).

     La actuación de los arquitectos Cruz y Ortiz consiste en la creación de una nueva fachada de los edificios que se encuentran al sur del conjunto hacia el mencionado espacio abierto. Para ello, se definió un nuevo pórtico paralelo a esta fachada, de la misma altura que la edificación, con el objeto de sostener una losa de hormigón que cubriese una nueva galería de distribución.

     Este pórtico se construye en hormigón armado y se reviste con mármol blanco, marcando el contraste con el color rojizo de la edificación preexistente. El pórtico se encuentra abierto en su contacto con el suelo, resuelto a través de pilares de sección rectangular que se unen en su extremo superior a través de una visera de hormigón armado.

     Esta visera discurre a la misma altura que la línea de imposta de los arcos en los huecos de la edificación original a la que se anexan. Los pilares reducen su sección en la parte superior del pórtico, donde se introduce un parteluces a mitad del vano, apoyado en la mencionada visera de hormigón. Se crea así un orden menor en la mitad superior del pórtico, a su vez dividido en tres huecos a cada lado del parteluz central a través de dos elementos verticales de madera, de menor sección. A modo de inaudito muro cortina de piedra, este pórtico se convierte en espacio a través del cual el conjunto respira, ofreciendo un umbral que protege el paseo de los visitantes en el conjunto. Su trazado es paralelo a los dos edificios del lado sur, cubriendo además el espacio entre ellos y ofreciendo así un nuevo umbráculo de acceso.

     El tratamiento del espacio central queda determinado por la posición del pórtico que se anexa al edificio este del lado sur, ya que éste se extiende sus pilastras inferiores en dirección noroeste hasta tocar el lado opuesto del patio, consiguiendo así encerrar la edificación exenta preexistente, que se destina a uso administrativo. El espacio resultante entre el pórtico y el lado nordeste del fuerte consigue así unas dimensiones controladas, y sirve de patio principal del conjunto, dando acceso a los espacios expositivos localizados en el antiguo baluarte.

     A través de una decisión de proyecto mínima y contundente, el espacio queda adecuadamente adaptado a su nueva función, y matizado con absoluta sensibilidad. Por esta razón, se trata de una de las intervenciones patrimoniales de mayor interés de las realizadas en Andalucía en la década de los 80. Dentro de la dilatada carrera de sus autores, fue el primer proyecto de espacio expositivo que completaron, que les valió un amplio reconocimiento.

     Este baluarte un papel defensivo y psicológico, ya que disuadía a los franceses de intentar un asalto marítimo con sus lanchas cañoneras y, al mismo tiempo protegía el paso de las embarcaciones que arribaban a Cádiz con pertrechos o personas (Guía Digital del Patrimonio Cultural de Andalucía).

     El baluarte de la Candelaria, poderosa edificación defensiva mandada construir por el gobernador Diego Caballero de Illescas en un saliente del terreno que se introducía en el mar, y la más importante de las que se realizaron en Cádiz en el siglo XVII. Dos pabellones levantados en el siglo XIX limitan actualmente el recinto, formado por una serie de casamatas apoyadas en el potente muro exterior. La vista que proporcionan los estrechos ventanos abierto en los muros de las casamatas es espectacular. El pequeño fuerte domina perfectamente el peligroso canal de acceso al puerto y los ochos cañones de los que estaba dotado eran, junto a los que se encontraban en el baluarte de San Felipe, más que suficientes para defender el sector noroeste de la ciudad. Tras la profunda restauración llevada a cabo recientemente, el edificio se destina a usos culturales (Rafael Arjona, y Lola Wals. Guía Total, Cádiz, Costa de la Luz. Editorial Anaya Touring. Madrid, 2008).

antiguo Gobierno Militar, Centro Cultural Reina Sofía

          Es un edificio exento, de planta cuadrangular, concluido en 1760, según diseño de Silvestre Abarca y concebido para la vivienda de los ingenieros mi­litares activos en la ciudad. En su construcción se aprovecharon parte de los materiales y estructu­ras del antiguo hospicio de la Santa Caridad, al que corresponde la disposición básica del patio y la escalera. El patio se presenta con cuatro crujías, sustentadas por columnas de mármol blanco en la planta baja y con cuerpos apilastrados en las dos superiores, mientras que la escalera, de gran porte, recuerda a las tipo conventual, habituales durante el siglo XVII. La fachada ofrece una sobria composición y se articula por medio de fajas, entre las que se disponen los vanos (Juan Alonso de la Sierra, Lorenzo Alonso de la Serra, Ana Aranda Bernal, Ana Gómez Díaz-Franzón, Fernando Pérez Mulet, y Fernando Quiles García. Guía artística de Cádiz y su provincia. Tomo I. Diputación Provincial y Fundación José Manuel Lara. Sevilla, 2005).

     El Gobierno Militar, edificación llevada a cabo en 1759 con proyecto de Silvestre Abarca, para vivienda de los ingenieros militares de la ciudad. Es de estilo neoclásico y en sus cuatro plantas se alojan, además de las viviendas, cocheras, patios y aljibe. En el patio de acceso se conservan, como adorno, cañones y balas utilizados en otro tiempo para defender la plaza, así como una garita de vigilancia enfrentada al mar. La fachada, de sillares almohadillados en la planta baja se articula mediante pilastras y lleva ventanas en el bajo y balcones en los altos, con fina rejería. El patio principal presenta arcos de medio punto sobre columnas de mármol y son muy interesantes la escalera y la torre (Rafael Arjona, y Lola Wals. Guía Total, Cádiz, Costa de la Luz. Editorial Anaya Touring. Madrid, 2008).

Casa de las Viudas

     En 1676 Manuel de Barrios Soto fundó un centro benéfico para acoger a las viudas desamparadas, aunque la actual Casa de Viudas tiene su origen en una institución benéfica creada por el comer­ciante sirio Juan Clat Fragela con el mismo fin. El edificio, construido en la primera mitad del siglo XVIII, participa de las características de la arqui­tectura civil y religiosa del barroco gaditano. Es de líneas sencillas, con dos plantas organizadas en torno a un patio de cuatro crujías, con arcos rebajados sustentados por columnas toscanas y pilares ochavados de mármol.

     En el piso superior se localiza un pequeño oratorio con planta de cruz latina y una nave, cuyas cubiertas son de medio cañón en la nave y brazos del crucero, cuarto de esfera sobre pechinas en la cabecera y bóveda vaída en el crucero. Preside el presbiterio un retablo neoclásico imitando mármoles, donde se sitúan lienzos que representan a la Virgen del Pópulo, San Juan Bautista, San Pablo y El Salvador, interesantes pinturas barrocas del siglo XVII. En el lado del Evangelio, junto al retablo, se encuentra otro lienzo que representa a la Virgen con el Niño, atribuido a Carlo Maratta y en el brazo del crucero de este mismo lado hay una tabla de tradición bizantina, del siglo XVI, que representa a San Juan evangelista en la isla de Patmos, atribuida a Michael Damasceno. La capilla conserva también varias tallas barrocas de pequeño formato y diversas pinturas, entre las que destaca una colección de cobres con escenas de la vida de Cristo (Juan Alonso de la Sierra, Lorenzo Alonso de la Serra, Ana Aranda Bernal, Ana Gómez Díaz-Franzón, Fernando Pérez Mulet, y Fernando Quiles García. Guía artística de Cádiz y su provincia. Tomo I. Diputación Provincial y Fundación José Manuel Lara. Sevilla, 2005).

     La Casa Fragela es un enorme caserón de dos plantas que domina y preside uno de los frentes de la plaza del mismo nombre. Su fachada va enfoscada y encalada. Los vanos de la primera planta se distribuyen simétricamente con respecto a los de la segunda, que son más grandes y cubiertos con cierres de forja.

     Al interior se entra a través de un zaguán que da a un patio de planta cuadrada rodeado de galerías. En cada frente se abren cinco arcos de medio punto que descansan sobre pilares. Al piso alto se accede a través de dos escaleras situadas en los laterales.

     Tan sólo es destacable del conjunto la pequeña capilla con su bóveda de horno sobre el altar y cúpula sobre pechinas.

     Tanto esta como las bóvedas de cañón de la nave y las de crucería en los brazos del crucero, el sistema utilizado ha sido el encamonado (Guía Digital del Patrimonio Cultural de Andalucía).

       La Casa de las Viudas, institución de carácter benéfico cre­ada por el comerciante de origen sirio Juan Clat Fragela para acoger viudas sin recursos. Es éste un caserón de considerables proporciones construido en la primera mitad del siglo XVIII que reúne los ele­mentos esenciales del barroco gaditano, civil y religioso. Sorprende la sencillez de su traza, con dos plantas, y su fachada a base de sillares de piedra ostionera, en la que se abre la portada y una serie de ventanas cuya disposición y dimensiones acen­túan la horizontalidad del conjunto. Las dependencias se organizan alrededor de un patio central de cuatro crujías, forma­das por arcos rebajados que apean en columnas toscanas y en pilares ochavado de mármol. En la planta alta, tiene gran interés la capilla, un pequeño oratorio en el que, entre otras obras de arte, se con­serva un retablo con pinturas de la Virgen del Pópulo, san Pablo y san Juan Bautista y El Salvador, todas del siglo XVII, así como una tabla bizantina del siglo XVI con San Juan Evangelista en la isla de Patmos, obra que se atribuye al pintor griego Michael Damaskinos (Rafael Arjona, y Lola Wals. Guía Total, Cádiz, Costa de la Luz. Editorial Anaya Touring. Madrid, 2008).

Gran Teatro Falla

         Desde los primeros años del siglo XVII hay constancia de la existencia de locales estables, destinados a la actividad teatral en la ciudad: durante el siglo XVIII llegaron a funcionar tres edificios dedicados al arte dramático español, a la comedia y óperas en francés e italiano. En el solar donde se asienta el Gran Teatro Falla, se construyó en los primeros años del siglo XIX, cuando la ciudad estaba sometida al sitio francés, el llamado Teatro de San Fernando, destruido más tarde por un incendio. Otras construcciones posteriores sufrieron el mismo destino, hasta que en 1885 se iniciaron los trabajos del edificio actual, según proyecto realizado por el arquitecto Adolfo Morales, con­cluido en 1910 por Juan Cabrera Latorre.

     Es un edificio exento, de estilo neomudéjar, con exterior en ladrillo visto decorado por arcos de herradura. En la gran sala interior los palcos se resuelven mediante una estructura de hierro, que utiliza motivos de inspiración nazarí, mientras la techumbre está cubierta por un lienzo en el que se representa una bóveda de tipo califal con escenas alegóricas de las artes escénicas. Este trabajo corrió a cargo de los pintores Felipe Abarzuza y Julio Moisés, quienes también realizaron el conjunto de pinturas que decoran el foyer.

     En la plaza que existe ante su fachada principal, se levanta el monumento a Cayetano del Toro, obra en bronce realizada por Gabriel Borrás en el año 1915 (Juan Alonso de la Sierra, Lorenzo Alonso de la Serra, Ana Aranda Bernal, Ana Gómez Díaz-Franzón, Fernando Pérez Mulet, y Fernando Quiles García. Guía artística de Cádiz y su provincia. Tomo I. Diputación Provincial y Fundación José Manuel Lara. Sevilla, 2005).

     El Teatro Falla es un edificio exento levantado sobre un amplio solar abierto en la Plaza Manuel de Falla de Cádiz, y cuya traza responde al tipo que se desarrolla y difunde en el país durante el siglo XIX y el primer tercio del siglo XX. Una correspondencia con el tipo que se deduce: de la organización simétrica de la planta, de la disposición axial de los espacios que la constituyen (accesos, cávea y escena) al tiempo que de la expresión al exterior de estos volúmenes.

     El edificio muestra en planta una estructura tripartita clásica, con el cuerpo de accesos, que consta de vestíbulos en planta baja y planta primera, más dos escaleras laterales, ofreciendo su fachada a la plaza Manuel de Falla. A continuación, el cuerpo de la cávea, que se organiza con un patio de cubiertas en planta baja, y palcos perimetrales en planta baja, entreplanta y planta primera, más la planta de Paraíso; todos servidos con una galería perimetral de acceso.

     Por último, la caja de escena, que a ambos lados localiza las dependencias de vestuario, atrezzo y otras dependencias secundarias.

     De estilo neomudéjar está construido en ladrillo rojo, y presenta tres grandes puertas de arco de herradura en su fachada principal, con dovelas alternas en rojo y blanco. En planta tiene forma de herradura, a la que se van adaptando los pisos, cada uno de ellos rodeado por una galería que enlaza con las escaleras de acceso, que arrancan desde un gran vestíbulo reformado en los años 20. Tiene una capacidad para 1.214 espectadores repartidos en butacas, palcos, anfiteatro y paraíso. El escenario mide 18 metros de largo por 25,5 m de fondo, y el techo se cubre con un gran lienzo que muestra una alegoría del Paraíso, obra de Felipe Abarzuza y Rodríguez de Arias.

     Los materiales empleados para formalizar las fachadas serían la piedra caliza, formando un basamento de 120 centímetros de alto en todo el edificio, y el ladrillo visto, desde dicho basamento hasta la coronación del edificio. La fachada hacia la plaza Manuel de Falla alterna el ladrillo de color rojo y el amarillo para marcar las pilastras y los seis arcos de herradura, tres en cada nivel, que la caracterizan. En el cuerpo de la cávea, el ladrillo compone grandes pilastras que se coronan con un entablamento neomudéjar. En la parte de la escena, la descomposición volumétrica permite establecer un juego de alturas entre las diferentes cornisas, que se coronan con remates en piedra.

     De 1985 a 1989 los arquitectos Rafael Otero González y José Antonio Carvajal acometen la restauración del edificio y en su transcurso se resolvieron numerosas cuestiones de orden técnico, funcional o conceptual. Entre las de carácter técnico se consolidó la estructura, sustituyéndose la totalidad de los forjados, se restituyeron las compartimentaciones interiores, se restauraron la fábricas neomudéjar de sus fachadas y se repararon sus cubiertas. Las mejoras de naturaleza funcional estuvieron destinadas a la visibilidad de ciertas localidades, así como a garantizar la correcta evacuación del edificio y la salubridad de ciertas áreas anexas a la escena.

     Esta intervención le valió el reconocimiento internacional, tratándose de una intervención ejemplar entre las desarrolladas por la administración autonómica en los teatros andaluces, recibiendo los siguientes reconocimientos: Premio de Andalucía de Patrimonio Histórico Bienal de Venecia, V Mostra Internazionale di Arquitettura; Venecia. VI Mostra Internacional di Architettura, Bienal de Venecia 1996.

     El Teatro Falla tiene una extraordinaria significación carnavalesca. Este espacio acogió durante la segunda mitad del siglo XX, de manera ininterrumpida desde 1991, tras unos años de cierre por obras, una de las principales celebraciones: Los concursos de agrupaciones (en la actualidad, COAC); por otro lado, es sede de bailes y otras actividades señaladas durante las fiestas y, dada su proximidad a la Plaza de San Antonio y al Barrio de la Viña, lugar de ambiente festivo y de paso de agrupaciones y otros grupos de personas. 

   El Falla es considerado y reivindicado por agrupaciones carnavalescas y aficionados como "templo del Carnaval" y las sesiones del COAC generan en sus alrededores pasacalles de agrupaciones y concentraciones de personas anunciando la proximidad de las fiestas.

     El Teatro Falla comenzó a construirse en mayo de 1884, según el proyecto de Adolfo Morales de los Ríos y Adolfo del Castillo Escribano, en el lugar que ocupara su antecesor, el Gran Teatro de Cádiz, desaparecido tras el incendio ocurrido en la madrugada del 6 de Agosto de 1881.

     En 1886 el Ayuntamiento asumió la dirección de las obras, aunque la escasez de fondos provocó la paralización de las obras en diversas ocasiones, lo que impidió que la obra no finalizara hasta 1905. El encargado de las obras fue el arquitecto municipal Juan Cabrera de la Torre, quien modificó en gran parte el primitivo proyecto.

     El 12 de enero de 1910 de fue inaugurado con la interpretación de una sinfonía de Barbieri. Hasta 1926 se llamaría Gran Teatro, año en el que pasó a llamarse Gran Teatro Falla en honor al hijo predilecto de la ciudad Manuel de Falla.

     De 1985 a 1989 el inmueble fue rehabilitado según proyecto de los arquitectos Rafael Otero González y José Antonio Carvajal, siendo reinaugurado en 1990. Actualmente es la sede del afamado concurso de agrupaciones del Carnaval de Cádiz, el Festival de Teatro Iberoamericano y del Certamen Alcances de cine, además de las distintas manifestaciones culturales que pasan por la ciudad (Guía Digital del Patrimonio Cultural de Andalucía).

          La afición de Cádiz al teatro, incluido el de títeres, es históricamente una de las más potentes de España. La ciudad contaba con locales estables desde los comienzos del siglo XVII, y en ellos se sucedían las representaciones más variadas, a despecho de las prohibiciones, tanto eclesiásticas como reales, establecidas en dis­tintos periodos. En los siglos XVIII y XIX, muchas obras se estrenaban en Cádiz antes que en Madrid, constituyendo el aplauso de los gaditanos un barómetro que indicaba a los empresarios si una obra debía o no estrenarse en la capital de España. En 1812, en pleno cerco de la ciudad por los franceses, se inauguró en este lugar el teatro de San Fernando, al que la gente llamó desde el primer instante del Balón, por encontrarse en las proximidades de un campo en el que se practicaban juegos de balón. Este teatro era de madera y pere­ció en un incendio en los años sesenta de dicho siglo XIX. En 1871 se levantó otro también de madera que sólo tuvo una duración de 10 años, siendo, igualmente, devorado por las llamas. Algún tiempo después, en 1885, se comenzó a construir el actual, de acuerdo con el proyecto de Adolfo Morales, proyecto que un par de años más tarde, ya bajo el patrocinio del Ayuntamiento, sería modificado a fondo por Juan Cabrera Latorre, quien lograría finalizar las obras en 1910. El nombre actual se lo pusieron en 1926. Se trata de un sólido edificio exento, de estilo neomudéjar, construido enteramente en ladrillo rojo visto y con los vanos a base de arcos de herradura, circunstancia que refuerza su carácter islámico. Tiene planta de herradura y 2.570 m2, con un aforo total de 2.000 localidades. El escenario es de grandes dimensiones, nada menos que 25,5 m de fondo por 18 m de ancho, con el correspondiente foso para la orquesta delante de él. Lujosamente decorada con motivos nazaríes, la cubierta lleva adosada un lienzo en el que se ha pintado una cúpula califal con alegorías de las artes escénicas, un trabajo que realizaron los pintores Felipe Abárzuza y Julio Moisés, quienes también desarrollaron las pinturas del foyer. Además de las representaciones y espectáculos habituales, en este teatro se celebra el concurso anual de agru­paciones carnavalescas.

     Ante el teatro se levanta un monumento en bronce dedicado al alcalde Cayetano del Toro, realizado por Gabriel Borrás en 1915 (Rafael Arjona, y Lola Wals. Guía Total, Cádiz, Costa de la Luz. Editorial Anaya Touring. Madrid, 2008).

Oratorio San Felipe Neri

       Este templo, que perteneció al primitivo oratorio de los filipenses, fue comenzado en 1688, se­gún trazas del alarife Blas Díaz, inaugurándose en el año 1719. Posteriormente, en 1764, el maestro Afanador reconstruyó y amplió la bóveda, que ­había resultado dañada por el terremoto de 1755.          

     El espacio unitario generado por su  disposición resultó ideal para servir como sede de las sesiones de Cortes, durante la invasión napoleónica, tras acordar los filipenses su cesión tempo­ral en febrero de 1811. Para adaptar el templo a este nuevo fin, el interior fue transformado con una decoración efímera por el ingeniero Antonio Prat, momento que fue aprovechado para elimi­nar algunos elementos decorativos barrocos.

     Tiene planta elíptica a la que se abren siete ca­pillas, que se articulan con pilastras pareadas que recorren los cuerpos, superponiéndose en distintos órdenes y albergando entre ellas hornacinas. La bóveda es una gran estructura encamona­da, de doble casquete, decorada con fajas que prolongan el ritmo de las pilastras inferiores y entre las que se abren vanos que restan gravidez a la estructura. Las capillas son de planta rectangular y se cubren por bóvedas de cañón o de aristas. El exterior del templo se articula mediante pilastras jónicas de orden gigante, entre las cuales se disponen numerosas lápidas dedicadas a los diputados doceañistas por sus diferentes demarcaciones, colocadas en su mayoría en 1912, con motivo del primer centenario de las Cortes de Cádiz. Bajo la iglesia hay una cripta, donde se encuentran dos mausoleos con los restos mortales de varios diputados doceañistas y los de las víctimas de la represión del levantamiento liberal de 1820.

     El retablo mayor es obra rococó de madera dorada, realizado a mediados del siglo XVIII. Consta de un cuerpo, dividido en tres calles por columnas corintias, sobre el que se eleva un ático y está presidido por un lienzo que representa la Inmaculada Concepción, obra realizada por Mu­rillo en los últimos años de su vida.

     En las calles laterales se sitúan las imágenes de San Servando y San Germán y en el ático San Felipe Neri, flanqueado por San Pedro y San Pablo, todas ellas obras en madera policromada, contemporáneas del retablo. Sobre la clave del arco de acceso al presbiterio hay un lienzo ovalado que representa al Padre Eterno, del pintor murillesco Clemente de Torres. La bóveda fue pintada al fresco en 1719, por Pedro Tomás Gijón, si bien actualmente estas pinturas permanecen ocultas por un repinte posterior.

     La primera capilla del lado del evangelio está presidida por un retablo de estípites, realizado en madera dorada durante la primera mitad del siglo XVIII. La hornacina central contiene una Dolorosa de candelero del siglo XIX y en las la­terales se sitúan las tallas de San Andrés y San Pedro, de madera policromada que, al igual que la imagen de la Virgen del Rosario que ocupa el ático, son obras contemporáneas del retablo. En los muros laterales se sitúan sendas vitrinas con las tallas de San Antonio y San Félix, esculturas barrocas de procedencia italiana, realizadas en los años centrales del siglo XVIII.

Capilla del sagrario. Fue Cedida en 1719 a Bernardo de Recaño con la condición de que en ella se instalase el sagrario del templo. En 1723 ya estaba construido el retablo, que es una destaca­da pieza barroca de origen italiano realizado en mármoles de colores, que ocupa todo el ámbito de la capilla, obra atribuida a Francesco María Schiaffino, aunque existe un desfase en la cronología al respecto. Está presidido por un crucificado de madera policromada, también de origen italiano, flanqueado por dos ángeles niños orantes a sus pies. Los muros laterales se articulan mediante ángeles atlantes, que sustentan capiteles jónicos sobre los que corre un movido en­tablamento; entre ellos se abren hornacinas con las imágenes de la Virgen Dolorosa, Santa María Magdalena, San Bernardo y San Francisco de Asís, destacando en todas ellas su expresividad, lograda a través de la armonización de las actitudes y del complejo plegado de los paños. La bóveda se decora con yeserías a base de hojarascas que enmarcan medallones con motivos eucarísticos y cierra el ámbito de la capilla una balaustrada, ante la cual se encuentra la losa del panteón del marqués de las Cinco Torres, propietario de la capilla en la segunda mitad del siglo XVIII, cuyo escudo preside el arco de acceso.

     La siguiente capilla está ocupada por un gran altorrelieve de madera policromada, que repre­senta la Epifanía, realizado en 1728 por José Montes de Oca. Tanto la composición como la ejecución de esta obra ponen de manifiesto la tendencia hacia los modelos montañesinos del referido autor. Sobre la mesa de altar hay una expresiva cabeza de San Juan Bautista, en barro cocido, atribuida al escultor dieciochesco granadino Torcuato Ruiz del Peral.

     La primera capilla del lado de la epístola, donde está enterrado el alarife Blas Díaz, autor de las trazas originales del templo, tiene un retablo de madera dorada, realizado hacia 1738. Se sustenta mediante estípites y está presidido por un altorrelieve que representa la Encarnación, a cuyos lados se sitúan las imágenes de San Juan Bautista y San José, presidiendo el ático el Padre Eterno. Todas estas obras, realizadas en madera policromada, fueron talladas por José Montes de Oca hacia 1738-1739. En la capilla central se situó originariamente una puerta lateral, pero fue cerrada durante la reforma dieciochesca, colocándose en este lugar el actual retablo rococó, hoy parcialmente oculto para ubicar las imágenes de la cofradía del Cristo de la Aguas. El crucificado y la Dolorosa son obra de Francisco Buiza (1982) y el San Juan, de Antonio Eslava (1951). La tercera capilla tiene un retablo de es­típites en madera dorada, de esquema semejan­te a los anteriormente descritos y está presidido por una talla del Niño Jesús, sobre la que hay un crucificado de marfil situado ante una ráfaga con el Corazón de Jesús, obras fechables a mediados del siglo XVIII. En el ático hay un lienzo con el Corazón de María y en los muros laterales se disponen sendas vitrinas, con las tallas diecioches­cas de la Inmaculada y el Niño Jesús Pasionario. En las hornacinas, que se abren entre las pilastras que articulan el templo, se disponen varias esculturas de madera policromada, de probable origen genovés, fechables a mediados del siglo XVIII y, a los lados de la puerta de acceso al templo, dos pilas de agua bendita de mármol blan­co, realizadas en Génova en la misma centuria y relacionadas con las esculturas de la capilla del sagrario. En la sacristía se conserva un crucificado de madera policromada, realizado a mediados del siglo XVII y atribuido a José de Arce;  también se guardan algunas piezas de orfebrería del siglo XVIII, entre las cuales hay un ostensorio, un juego  de candelabros y dos relicarios.

Colegio de San Felipe Neri. Gran parte de las dependencias conventuales de los filipenses fueron adaptadas en 1838, para convertirlas en colegio. A finales del mismo siglo se realizó una profunda remodelación , dirigida por Amadeo Rodríguez, que transformó el patio en un amplio espacio, posiblemente tras derribar las crujías originales, cubierto por una gran montera de hierro y cristal. La escalera conserva el aspecto barroco del edificio antiguo, mientras que la composición de las fachadas también responde al sencillo carácter funcional que les confirió la reforma decimonónica (Juan Alonso de la Sierra, Lorenzo Alonso de la Serra, Ana Aranda Bernal, Ana Gómez Díaz-Franzón, Fernando Pérez Mulet, y Fernando Quiles García. Guía artística de Cádiz y su provincia. Tomo I. Diputación Provincial y Fundación José Manuel Lara. Sevilla, 2005).

     La Iglesia presenta en su interior planta oval, con una longitud de 26,62 metros de largo por 16,70 metros de ancho. En sus muros se abren seis capillas, más la capilla mayor, en el eje mayor, frente a la puerta de entrada.

     Los muros perimetrales que presentan un alzado de cuatro cuerpos, divididos mediante una triple balconada de barandilla corrida, de hierro fundido, se hallan revestidos por pares de pilastras que recorren la totalidad de la altura del edificio, desde el zócalo hasta la clave de la cúpula. Estas pilastras son en el primer cuerpo de orden jónico y sostienen un entablamento clásico con cornisa de dentellones, y se van simplificando conforme va ganando en altura, hasta el extremo que en el casquete superior de la cúpula llegan a la máxima sencillez apareciendo más bien como nervios de la bóveda elíptica.

     En el segundo cuerpo, sobre la puerta de acceso al templo se abre un gran vano rectangular protegido con cristales. En el tercer cuerpo se abren ocho vanos protegidos igualmente con cristales, por donde penetra una gran luminosidad al interior del edificio. El templo va cubierto interiormente mediante una gran cúpula encamonada de doble casquete decorada con fajas. Bajo el oratorio se encuentra la cripta a la que se ingresa a través de un vestíbulo, de planta de cruz griega.

     Al exterior, el templo, al estar adosado a otras edificaciones, presenta solamente dos fachadas; la de los pies y parte de la del llamado lado de la Epístola. Su aspecto exterior es de una extrema sencillez; muestra un alzado de un solo cuerpo, con zócalo de piedra y articulado mediante pilastras jónicas de orden gigante, sobre ellas corre un entablamento con cornisa de canes, de donde emerge la inmensa bóveda, cubierta por tejas y una torre cuadrada en la esquina derecha de los pies que aparece sin remate.

     La portada ubicada en la fachada de los pies es el único acceso al interior del templo. Presenta un vano adintelado con una puerta de madera claveteada. Por encima se abre un vano igualmente adintelado y protegido por una reja. El interés que ofrece su fachada es la decoración de lápidas que conmemoran el hecho histórico de 1812.

     Este templo, que perteneció a un primitivo oratorio de filipenses, fue comenzado en 1685 según trazas del alarife Blas Díaz, y se consagró el 17 de Septiembre de 1719. En 1811 las Cortes Españolas que venían celebrando sus sesiones en el teatro de San Fernando, ante la falta de seguridad para sus miembros, debido a la proximidad del ejército francés, decidieron trasladarse a Cádiz. Se decidió que se instalaran en la Iglesia de San Felipe Neri, para lo que se efectuaron obras en el interior del templo para adecuarlo al nuevo uso para el que había sido destinado. La obra principal de las cortes de Cádiz fue la famosa Constitución de la Monarquía Española, que se promulgó el 19 de marzo de 1812.

     Al haber sido este Oratorio residencia de las Cortes y haberse elaborado en él la famosa Constitución de la Monarquía Española, hizo que los gaditanos considerasen siempre este templo como un monumento a la libertad y estimasen como un supremo honor que los que lucharon por defender estos ideales encontrasen a la hora de su muerte un merecido descanso bajo sus muros, lugar donde se encuentra la cripta.

     Tras la exclaustración la comunidad de filipenses tuvo que abandonar el convento, pasando el templo a la jurisdicción de la Mitra. A partir del 1 de septiembre de 1933 la Congregación de Marianistas es la que se encarga del culto y conservación de dicho templo (Guía Digital del Patrimonio Cultural de Andalucía).

     No fue baladí la elección del lugar para la erección del Museo de las Cortes, ya que se levantó prácticamente al lado de este histórico templo, situado en la plaza de San Felipe, que es también una de las primeras joyas del barroco religioso gaditano. 

     En efecto, este fue el lugar en el que se llevó a término y se aprobó definitivamente la Constitución de 1812, la famosa Pepa, circunstancia que se aprecia en el número de lápidas que aparecen en la fachada, dedicadas a los diputados más ilustres de aquellas Cortes. Una fachada, por otra parte, extraordinariamente sobria, que en modo alguno da idea de la maravilla que encierra el interior.

     El edificio perteneció a los filipenses. Su construcción se inició en 1688, siguiendo el proyecto de Blas Díaz, prolongándose las obras hasta 1719. Más tarde, el terremoto de Lisboa de 1755 le produjo graves daños, por lo que en 1764 se procedió a la reconstrucción y ampliación de la cúpula. De planta elíptica, uno de los contados ejemplos que existen en Anda­lucía, el interior del templo constituye un verdadero milagro visual. Alrededor de esta planta se abren siete capillas entre pilastras adosadas al muro, por encima de las cuales corre una tribuna que recorre todo el perímetro y que sirve de separación entre la planta baja y un primer cuerpo, también con pilastras que, a su vez, sostienen una nueva tribuna perimetral. El conjunto se cubre con una espléndida cúpula de doble casquete, en la que se inscriben ocho ventanas que, al par que restan pesadez a la estructura, permiten el paso de la luz del día. En la capilla principal, situada frente a la puerta de entrada, se localiza el retablo mayor, una espléndida pieza rococó del siglo XVIII, en madera dorada. Dividido en tres calles por colum­nas dóricas, lo preside, en su camarín, un Sagrado Corazón, figurando en las calles laterales los patronos de Cádiz, san Servando y san Germán. Por encima del Sagrado Corazón hay un lienzo con una Inmaculada Concepción que pintó Murillo al final de su vida. San Felipe Neri aparece en el ático, con san Pedro y san Pablo a los lados. Las capillas laterales van a juego con el conjunto. La primera del lado del evangelio, izquierda del presbiterio, tiene un retablo barroco del siglo XVIII presidido por una Dolorosa flanqueada por san Andrés y san Pedro y encima, en el ático, la Virgen del Rosario. La siguiente es la del Sagrario, que, desde 1719, fue propiedad de Bernardo Recaño y, más tarde, ya en la segunda mitad del siglo XVIII, del marqués de las Cinco Torres, cuyo panteón se encuentra ante la balaustrada que cierra el espacio. En su retablo de mármoles de colores, de origen italiano, figura, presidiéndolo, un Crucificado de madera policromada con dos angelitos a su pies. La siguiente capilla acoge un bello alto­rrelieve con la Adoración de los Reyes Magos, obra realizada por el sevillano José Montes de Oca en 1728, así como, sobre la mesa del altar, una Cabeza de San Juan Bautista atribuida a Torcuato Ruiz del Peral, prestigioso imaginero granadino del siglo XVIII. En la primera capilla del lado derecho está enterrado el autor del tem­plo, Blas Díaz. El retablo, del siglo XVIII, labrado en madera dorada, está presidido por la Virgen de la Encarnación, un alto­rrelieve de José Montes de Oca, lo mismo que las imágenes de san Juan Bautista y san José que lo flanquean y el Padre Eterno del ático. La siguiente capilla pertenece actualmente a la cofradía del Cristo de las Aguas. En ella se encuentran, además del Crucificado, las imágenes de la Dolorosa y san Juan Bautista. Las dos primeras las talló Francisco Buiza en 1982 y la última, Antonio Eslava en 1951. La última de las capillas tiene un retablo de estípites con dos interesantes imágenes, la del Niño Jesús que lo preside y la del Crucificado de marfil situado en encima (Rafael Arjona, y Lola Wals. Guía Total, Cádiz, Costa de la Luz. Editorial Anaya Touring. Madrid, 2008).

Museo de las Cortes de Cádiz

       Se inauguró este museo, inmediato al Oratorio de San Felipe Neri, coincidiendo con la celebración del primer centenario de las Cortes de Cádiz, en 1912.

     El edificio fue diseñado por Juan Cabrera Latorre, quién concibió una fachada de ins­piración neoclásica, centrada por una balconada con columnas jónicas adosadas de orden gigante. En el interior se utilizan elementos de la arquitectura del hierro, destacando la escalera, de tipo imperial, que sirve de unión entre las dos salas principales.

Planta baja. Organizada en dos ámbitos, el primero contiene varios lienzos, entre ellos uno realizado por Federico Godoy en 1894 que representa a Julio César en el templo de Hércules, una copia firmada por J. García en 1828, que representa el asalto anglo-holandés de 1596, hoy en el Museo Catedralicio, y un plano de la ciudad a finales del siglo XVII con repintes del XIX, valioso testimonio iconográfico de la época. Otras piezas son un mascarón de finales del siglo XVII y varios escudos. En vitrinas se exhiben cerámicas precolom­binas y algunos restos arqueológicos procedentes del barrio del Pópulo, material lítico, quemaperfumes púnicos, monedas y ungüentarios. En el segundo ámbito hay diversos retratos, entre ellos uno de Fernando VII, firmado por Fernández Cruzado en 1829 y otro del pintor portorriqueño José Campeche y Jordán de 1809.

     También hay un plano de la ciudad en el siglo XVIII y un gran lienzo, decimonónico, que representa la conquista de Cádiz por Alfonso X el Sabio, obra de José María Rodríguez de Losada.

     Preside la escalera de acceso a la planta supe­rior una gran vidriera alusiva a la Constitución de 1812, realizada en el taller de los hermanos Maumégean en 1912.

     A sus lados se sitúan los bustos de mármol de Mendizábal y Risso, éste último debido a Cosme Velázquez.

Sala de la maqueta. Se expone en esta amplia sala el plano en relieve de la ciudad, en caoba y marfil, ejecutado por Alfonso Jiménez en el año 1777.

     Su realización responde al deseo del rey Carlos III de poseer maquetas de las principales ciudades y plazas fuertes de su reino, proyecto que no llegó a realizarse.

     Concebida con fines estratégicos, en el conjunto urbano sólo se destacan los edificios más singulares, mientras que las construcciones de carácter militar se han cuidado especialmente y algunas de ellas, como el frente de tierra o el pabellón de ingenieros, pueden desmontarse para contemplar la estructura interior. En la actualidad resulta un documento de sumo interés para la ciudad, pues en ella se pueden apreciar los cambios acaecidos desde la fecha de su construcción hasta nuestros días.

     El muro frontal está ocupado por un gran lienzo de Salvador Viniegra que representa la proclamación del texto constitucional el 19 de marzo de 1812 en la plazuela de Santa Inés. En los muros laterales hay retratos de personajes ilustres gaditanos, entre los que cabe señalar el de Celestino Mutis, realizado por Fernández Cruzado en el año 1829. 

Sala de Trafalgar. Se dedica fundamentalmente a objetos relacionados con los personajes de la época y la batalla del mismo nombre.

Sala de las Cortes. Entre las pinturas que se exhiben destacan los lienzos de Federico Godoy, ¡A las cortes! y La plaza de San Antonio el día de la jura de la Constitución, tres vistas decimonónicas del Campo del Sur, Puntales y Observatorio de San Fernando, el retrato de Santiago Terry, el de Fermín Elizalde, realizado por J. García en 1833, los de Fernando VII y Tomás de Istúriz (1821), de Manuel Roca y el de Luis de Gargollo, firmado por Fernández Cruzado en 1832. Un escudo de talla, que presidía la sala capitular del Ayuntamiento, es obra de principios del siglo XVII.

Escalera interior. En la escalera de acceso se dispo­nen varias pinturas, entre ellos el retrato de Fernando VII y María Cristina, obra de Fernández Cruzado firmada en 1829 y un cartel para el car­naval de 1898, de Pastorino. 

Sala alta. En esta sala se recogen objetos relacionados con hechos de la vida local de los siglos XIX y XX, que se exponen en dos vitrinas. Por su interés artístico sobresale el relieve conmemorativo del centenario de la Constitución de 1812, realizado por Mariano Benlliure; también hay algunas porcelanas y medallas conmemorativas y un vaciado de las manos de José María Pemán, obra de Juan Luis Vasallo.

     Una galería de retratos de gaditanos ilustres y algunas esculturas completan esta sala. Entre estas últimas se exponen un relieve conmemorativo de la Exposición Obrera de 1923 y una alegoría de la Segunda República, ambos de J. Gargallo, y la maqueta del monumento al Marqués de Comillas, de Antonio Parera.

    Entre las pinturas destacan los retratos de Ma­nuel Freire y José Aymerich, de Fernández Cruzado, Segismundo Moret, por  Federico de Madrazo, el de Moreno de Mora (1908), por Salvador Viniegra, y los de la reina María Cristina y Alfonso XII (1897), Cayetano del Toro (1922) y Miguel Primo de Rivera (1929) por Federico Godoy (Juan Alonso de la Sierra, Lorenzo Alonso de la Serra, Ana Aranda Bernal, Ana Gómez Díaz-Franzón, Fernando Pérez Mulet, y Fernando Quiles García. Guía artística de Cádiz y su provincia. Tomo I. Diputación Provincial y Fundación José Manuel Lara. Sevilla, 2005).

     El edificio donde se encuentra el museo está situado anexo al Oratorio de San Felipe Neri, y fue diseñado por Juan Cabrera Latorre en estilo neoclásico.

     Levantado sobre dos fincas adquiridas por el consistorio gaditano, encabezado por D. Cayetano del Toro en 1909, destaca sobre todo la fachada donde se aprecia la balconada o las pilastras adosadas en orden gigante. En el interior destaca la escalera estilo imperial que conecta las dos plantas.

     Se trata de un museo creado para la celebración del Centenario y en él se puede encontrar la mayor colección de obras y objetos relacionados con la constitución y guerra de 1812 destacando retratos de diputados, vistas del Cádiz de la época, caricaturas o armas de aquel momento, siendo inaugurado el 5 de octubre de 1912, aunque tuvo que ser cerrado tras la explosión de Cádiz del año 1947, reabriéndose en 1964. Tras algunos períodos de reformas, actualmente el museo esta sufriendo una profunda remodelación de sus instalaciones en vista de la celebración del bicentenario constitucional y de la guerra (Guía Digital del Patrimonio Cultural de Andalucía).

      Bajando por Sacramento, hacia el oeste, se alcanza de nuevo la calle Sagasta. Entrando por ella, a la derecha, la primera bocacalle de la izquierda es Santa Inés. En ella se localiza este museo, inaugurado en 1912 por iniciativa del alcalde Cayetano del Toro para conmemorar el primer centenario de las Cortes de Cádiz. El edificio responde al proyecto de Juan Cabrera Latorre, quien diseñó una fachada neoclásica, en la que sobresale el gran balcón entre columnas jónicas de orden gigante. La escalera interior, de tipo imperial, es, igualmente, muy llamativa. Concebido como museo histórico, cuenta con una buena colección de objetos de diversa procedencia que ponen de relieve acontecimientos sustanciales vividos por la ciudad en los últimos siglos.

     En la primera planta destaca la sala de la Maqueta, en la que se ofrece una vista en caoba y marfil de Cádiz a finales del siglo XVIII, obra realizada por Alfonso Jiménez en 1777. Aquí están también la sala de Trafalgar, dedicada a objetos y personajes de este importante hecho histórico, y la sala de las Cortes, igualmente, con pinturas y motivos del momento. En la sala Alta de la misma planta se reúnen elementos relacionados con la vida ciudadana en los siglos XIX y XX, destacando una galería de retratos de gaditanos ilustres, sobresaliendo el de Segismundo Moret, por Federico Madrazo (Rafael Arjona, y Lola Wals. Guía Total, Cádiz, Costa de la Luz. Editorial Anaya Touring. Madrid, 2008).

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